Damiani

"Rocking Fornarina" celebra gli ultimi dieci anni di "street couture" di Fornarina, il suo abbigliamento e le sue scarpe, attraverso le fotografie di Francesco Musati e Valentina Aimone, che hanno sviluppato in comune l'identità del marchio elaborando uno stile visivo sexy, un po' sfacciato e malizioso. Fondata nel 1947 da Gianfranco Fornari, e attualmente guidata dal figlio Lino, con il suo approccio nuovo allo stile urbano, Fornarina ha stimolato l'industria dell'abbigliamento e delle scarpe da donna, accentuando colori forti, forme audaci, un glamour ironico, ricco di umorismo e malizioso, proponendo fogge che spaziano dai sandali ai sabots, dagli stivali alle sneakers. "Rocking Fornarina" presenta una selezione di foto inedite di Musati e Aimone (che hanno fotografato per l'azienda per più di vent'anni), e una galleria di ritratti di fan celebri di Fornarina, come Lindsay Lohan e Martina Stella.

"Electrical Banana. Masters of Psychedelic Art" di Norman Hathaway e Dan Nadel ripercorre la storia della cultura psichedelica, straordinario fenomeno musicale e artistico nato a metà degli anni '60 nella West Coast californiana. Il libro si apre con un'intervista a Paul McCartney rilasciata agli autori e raccoglie testimonianze e contributi dei principali esponenti del movimento, corredate da numerose immagini, molte delle quali inedite. Rispetto all'immaginario psichedelico precedentemente diffuso, "Electrical Banana. Masters of Psychedelic Art" propone un'interpretazione innovativa e rivoluzionaria. Sono sette gli artisti protagonisti selezionati dai due autori per raccontare la "rivoluzione psichedelica": l'eclettica artista olandese Marijke Koger, celebre per aver disegnato alcuni vestiti per i Beatles; Mati Klarwein, visionario illustratore e autore della magnifica copertina Bitches Brew di Miles Davis; l'artista di culto giapponese Keiichi Tanaami, autore di straordinari poster psichedelici; Heinz Edelmann illustratore tedesco e art director del film d'animazione Yellow Submarine del 1968; il celebre artista e designer giapponese Tadanori Yokoo; Dudley Edwards indiscusso protagonista della scena rock londinese e infine l'enigmatico artista australiano Martin Sharp, autore della copertina dell'album Disraeli Gears dei Cream e di splendide grafiche apparse sulle riviste underground più in voga in quel periodo.

L'idea della perfezione ha sempre accompagnato il percorso artistico di Alessio Cocchi. Il fotografo fiorentino ha iniziato a interpretare la fotografia come fosse una parola palindroma, cercando la perfezione: Anna, oro, amo roma e perfino ossesso, ecco, proprio ossesso dalle parole palindrome. Le fotografie raccolte nel libro "Palindrome" sono perfettamente simmetriche e quindi perfette.

Il libro considera tutti gli elementi del mondo creato dall'Ente Nazionale Idrocarburi e dal suo leggendario presidente, Enrico Mattei. Dalla costituzione dell'ente, durante i primi anni Cinquanta, alla creazione, nel giro di un decennio, di un vero e proprio impero, il volume ripercorre pressoché tutti i più significativi episodi architettonici e urbanistici ENI in territorio italiano ed estero. Con materiale fotografico inedito proveniente dagli archivi storici del gruppo petrolifero, il libro documenta, fra gli altri, i complessi residenziali di Gela e di Ravenna, quelli ricreativi di Corte di Cadore nelle Dolomiti e di Pugnochiuso nel Gargano, nonché metanodotti, stabilimenti, aree di servizio e progetti da cui emerge forte coerenza stilistica, grande funzionalità e, soprattutto, sbalorditiva velocità di esecuzione (con esiti straordinari anche nel settore del marketing, dell'editoria e del design). Un impero che raggiunge il suo culmine con Metanopoli, la città edificata alle porte di Milano, simbolo autentico del boom economico italiano. Un'ascesa breve e fulminea, quella dell'impero Eni, che si interrompe prematuramente con la morte, non priva di misteri, dello stesso Mattei nel 1962.

Moda anni '80, moda anni '90. Un tempo vertiginosamente in bilico fra opulenza e austerità; un periodo archiviato con troppa fretta e superficialità, tra gli ormai sclerotizzati luoghi comuni di spalline ipertrofiche ed eccessivi consumi di lacca... Per ripercorrere questi due decenni, Michael Doster ha scelto per questo libro oltre 300 foto di moda scattate, appunto, dall'inizio degli anni '80 fino all'avvento del cosiddetto minimalismo e all'uso massiccio di Photoshop, periodo in cui, secondo il fotografo "l'arte del make up, dello styling e degli shooting poteva ancora veramente definirsi tale". In primo piano, dunque, la grandeur della moda, che dà spettacolo di sé ora in cima ai grattacieli di New York, ora sui boulevard di Parigi, dove splendide modelle posano come sirene ammaliatrici. Doster dirige così un ininterrotto défilé, fra sportswear e couture: Ungaro, Sherrer, Saint Laurent, da una parte, e Calvin Klein, De la Renta, Ralph Lauren dall'altra. Vestiti scintillanti, divismo kitsch...

Il libro pensato in versione tascabile per studenti e per un pubblico ampio, è suddiviso in tre sezioni. La prima parte raccoglie testi teorici di alcune delle voci più rappresentative sull'argomento: Andrea Branzi, Catherine David, Manuel Gausa, Gilles Cléments, Critical Gardens, Tom Trevor e altri. Nella seconda sezione sono rappresentati dieci realtà internazionali - architetti, designer, paesaggisti, collettivi ecologisti - che operano in vario modo alla realizzazione e alla salvaguardia di aree urbane verdi e al verde temporaneo. La terza sezione, infine, è dedicata al progetto collettivo milanese di via Pepe nel quartiere Isola. In questa sezione sono raccontanti tre momenti di approccio alla città: attraverso l'analisi delle molteplicità del quartiere, attraverso lo sguardo fotografico, attraverso un percorso nella creatività locale, tra laboratori e piccole botteghe artigiane. Alcuni frammenti, dedicati al tema del verde in aree di mobilità quali le stazioni ferroviarie, fanno da intervallo ai vari capitoli.

"New Zen" è una collezione delle più innovative "chashitsu", le tradizionali stanze dedicate alla cerimonia del té, progettate da architetti e designer contemporanei giapponesi. Questa tradizione, la cui origine è fissata durante il XV secolo, nel tempo è diventata parte integrante della cultura nipponica d'elite e dei samurai in particolare. Le "chashitsu" si compongono tradizionalmente di alcuni elementi essenziali: una nicchia con fiori e pergamene dipinte, un focolare incassato nel pavimento, stuoie di bambù e alcune finestre. Questi ambienti, che non prevedono mobili e sono luoghi esclusivamente dedicati al raccoglimento, negli ultimi quindici anni sono stati reinterpretati da architetti giapponesi di fama, che hanno dato vita a moderni spazi di meditazione.

Assieme a fotografi del calibro di Richard Avedon, Helmut Newton e David Bailey ha rivoluzionato la foto di moda e il suo lavoro è stato seminale per fotografi come Peter Lindbergh, Bruce Weber e Steven Meisel. Questo libro rende noto il genio di Bob Richardson, protagonista celebrato in una monografia curata dal figlio Terry Richardson. Attraverso 200 foto "black & white" il volume riscopre l'arte di un fotografo che ha lasciato il segno sulle pagine dei più importanti magazine del mondo. Da Vogue a Harper Bazaar, le sue foto raffinate e seducenti sono caratterizzate da una straordinaria capacità narrativa, mostrando allo stesso tempo la ruvidità di una generazione ribelle in cui convive perfettamente droga, eleganza, sesso, bellezza e alcol. Nonostante Richardson nel tempo abbia distrutto buona parte delle proprie immagini, Terry ha voluto curare l'edizione di questo libro che include uno scritto autobiografico del padre insieme all riproduzione di alcuni editoriali in cui le foto possono essere osservate nel loro layout grafico originale dal sapore vintage.

La selezione dei 70 luoghi documentata in questo libro è arbitraria, non è un catalogo. I luoghi scelti sono parte del paesaggio altoatesino, in se stessi non sono particolarmente significativi e possono lasciare indifferenti. L'idea è che nel loro insieme possano diventare parte del sistema culturale della provincia. Sono ambienti cosiddetti "a bassa definizione", per questo aperti, ogni volta da allestire e definire. Sono spazi adattabili la cui identità è data dall'uso puntuale, occasionale e temporaneo e non dalla forma precostituita. Per un numero sempre maggiore di eventi, manifestazioni non serve una sede di alta rappresentanza costruita secondo modalità canoniche. Lo spazio creativo spesso è uno spazio ricavato e non finito. La ragione di questo lavoro è offrire spazi e ambienti il più possibile privi di vincoli e costruzioni, per permettere a chi opera nell'ambito dell'arte e comunque nei settori creativi della produzione di esprimere idee, esporre e mostrare.